Groupe pop-punkEspace au sola sorti son troisième album studio,C'est peut-être çale vendredi 20 octobre 2023.
L'album est un peu plus long que le précédent,Rien n'a de senssorti le 17 juillet 2022. Le groupe a sorti le premier single de son nouvel album, "Easier", le 31 mars 2023, dont le groupe a annoncé la sortie le même jour sur les médias sociaux. Avant l'annonce deC'est peut-être çaLe 22 septembre, le groupe sort un troisième et dernier single de l'album, "Self-Destruct", après avoir annoncé la sortie du single sur les médias sociaux le 18 septembre. Le dernier single, "Self-Destruct", est devenu l'une des chansons les plus populaires de l'album en recueillant rapidement 7 145 écoutes sur Spotify entre sa sortie et le 17 novembre 2023, ce qui peut être attribué à son instrumentale contagieuse, son refrain accrocheur et ses paroles autoréflexives. Le 2 octobre 2023, le groupe annonce la date de sortie de l'albumC'est peut-être çasur leurs plateformes de médias sociaux.
C'est peut-être ça est un album pop-punk authentique, sans concession, rempli d'agressivité et de vulnérabilité, avec des paroles accrocheuses et des instruments électrisants. Il reprend de nombreux éléments de l'ère pop-punk emo des années 2000 tout en leur donnant une tournure moderne. Avec des guitares grinçantes et groovy, des transitions instrumentales explosives, et des textes à la fois tendus et intimes, C'est peut-être ça vous donne rapidement la nostalgie d'aller à l'école et d'écouter vos groupes pop-punk et emo préférés en boucle dans le bus. Le tout en arborant une paire de baskets Converse bien aimée, un jean moulant, une chemise de groupe et l'eye-liner que vous avez mis plus de vingt minutes à faire parce que vous aviez peur de vous piquer dans l'œil en faisant votre ligne d'eau.
Avec la chanson "Spine", l'album ne tarde pas à vous faire découvrir le son et l'atmosphère percutants et implacablement féroces de l'album. La musique commence par un riff de guitare puissant mais bien ancré dans le sol et le son clair et exclamatif des coups de batterie pour relancer le morceau, faisant exploser la première éruption instrumentale de force d'un son dynamique et vitalisant. La guitare reprend le riff initial dans le premier couplet, avec le soutien supplémentaire d'une basse sporadique aux racines profondes et d'un rythme de batterie fluide et progressif. Le tout accompagné d'une voix audacieuse et exaspérée, délivrant avec assurance des paroles crues et impitoyables,
"Le premier jour de l'année, il y a eu un grand nombre d'événements dans le monde entier, mais il n'y a pas encore eu d'événement majeur.
L'instrumental se charge d'énergie supplémentaire avant de passer sans transition au refrain. La transition vers le refrain se fait par un instrumental varié, chargé d'électricité et fiévreux, associé à une voix dominante et implacable. D'autant plus que les paroles pleines de venin sont livrées avec force à la fin de l'accroche, "J'aimerais que vous ayez une colonne vertébrale / J'aimerais que vous ayez une colonne vertébrale / J'aimerais que vous ayez une colonne vertébrale". Peu après la fin du refrain, la chanson s'éloigne avec un changement indépendant et sautillant de l'instrumentation qui revient au climax instrumental vibrant et polarisant du début. Il prend les choses en main, menant la chanson vers le deuxième couplet. Peu de choses changent dans le deuxième couplet. Le son de la guitare du premier couplet est remplacé par le son plus omniprésent de la basse qui suit la même mélodie de la guitare du premier couplet.
Après le deuxième refrain, la chanson se termine par un instrumental vigoureux et prolongé et par des paroles répétées avec défi et détermination, "J'aurais aimé que tu aies de l'épine." Dans l'ensemble, "Spine" est une introduction authentiquement accrocheuse aux éléments tranchants et revigorants qui parsèment l'album.
La chanson suivante de l'album est "Replay Buttons". Bien que la chanson perde un peu de la brutalité sonore de la chanson précédente, elle change de ton et devient une démonstration d'émotions douces, brutes et auto-réfléchissantes. La chanson commence par une simple mélodie de guitare mélancolique et des voix incompréhensibles et légèrement déformées en arrière-plan. Les paroles en arrière-plan ressemblent à la légère altération que l'on entend lors d'un appel téléphonique ou d'un message vocal.
Le premier couplet présente la même mélodie de guitare qui se poursuit, avec des voix sincères qui se joignent à la mêlée en livrant les paroles introspectives du couplet. Alors que le premier couplet touche à sa fin, l'instrumentation gagne gracieusement en intensité avec l'introduction d'une batterie qui s'intensifie progressivement et l'introduction des fondations solides de la guitare rythmique avant de passer à un refrain vif et contagieux. Avec un instrumental cohérent et rafraîchissant. Le refrain exploite les sentiments d'autodépréciation nonchalante et d'acceptation avec les paroles,
"Call me a wreck / Call me a liar / Call me unemployed sitting by a fake fire / It's a shame we don't get any replay buttons...."
Le refrain évoque la peur de ce que certains considèrent comme un "échec" sous le regard des autres. Tout en renforçant de manière sarcastique l'état d'esprit qui consiste à se contenter des choix que nous faisons et qui nous mènent là où nous sommes, qu'il s'agisse de "succès" ou d'"échec". Tout en étant mélodique, le refrain s'incrustera facilement et de manière inoubliable dans votre cerveau pendant des heures.
Au début du deuxième couplet, l'instrumentation continue de tourner à plein régime, avec son rythme et sa sonorité stimulants. Ce n'est qu'à peu près à la moitié du premier couplet que la guitare passe à une mélodie plus stable et plus affirmée, avec des interjections périodiques de flair fervent qui ramènent la chanson vers le refrain. À la fin du deuxième refrain, l'instrumentation prend un détour qui en vaut la peine en mettant en lumière un tourbillon de cordes de guitare principalement flamboyantes, avec le soutien d'une batterie fiable, pure et tiède et les pops complémentaires périodiques et vibrants de la guitare secondaire qui se dirige vers un segment bodacieux de l'instrumentation mis en évidence par un solo de guitare emphatique et étincelant.
Après le dernier refrain, la chanson revient au segment instrumental satisfaisant et magnétisant qui a suivi le deuxième refrain avant de s'achever de manière emphatique. Bien que "Replay Buttons" perde un peu de sa dureté thématique et sonore, il exploite un son énergiquement intriguant avec une progression de ton et de rythme appropriée.
Dans l'ensemble, le début de l'album vous introduit rapidement aux sons profonds, rapides et revigorants que l'on retrouve tout au long de l'album.
Des chansons comme "Aren't You Sick ?" sont placées un peu plus loin que la moitié de l'album, ce qui renforce la cohérence de l'ambiance générale. Bien que la chanson ne soit pas aussi endiablée ou ambitieuse que certaines de ses homologues de la première moitié de l'album, elle permet à l'album de ne pas devenir stagnant. Tout en ne laissant aucun doute dans votre esprit, il s'agit d'un album pop-punk moderne et rajeunissant. Il adhère à leur signature désormais familière, un style instrumental suave et progressif, omniprésent tout au long de l'album. Tout en conservant un son un peu plus réservé, la chanson n'est en aucun cas banale. Au contraire, elle permet de rafraîchir le rythme de l'album tout en exploitant les mélodies infectieuses du refrain et l'escalade vive de l'instrumental dans le refrain que l'on retrouve tout au long de Maybe This Is It.
L'album se termine d'une manière très galante. Les deux dernières chansons qui clôturent l'album sont "Self-Destruct" et "Glass Dreams".
"Self-Destruct" se compose d'une basse dense et d'un rythme de batterie propre et léger dans le premier couplet. Un refrain rempli de riffs de guitare fascinants et de mélodies hypnotisantes et irrésistibles à chanter. Un changement de riff de guitare principale après le refrain, associé à un riff de guitare rythmique cohérent et très séduisant. Et un riff de guitare solo provocateur et captivant pour vous faire monter en puissance alors que la chanson éclate avec le catalyseur final composé de mélodies entraînantes et contagieuses et d'une énergie exaltante et percutante avant la fin de la chanson. "Self-Destruct" incarne et résume tous les éléments que vous avez entendus tout au long de l'album en un seul morceau qui vous laissera une impression durable pour les jours, les semaines ou les mois à venir.
L'album se termine par "Glass Dreams". La chanson possède un début et un thème général plus sombres puisqu'elle commence par un pré-chorus mélancolique, que vous retrouverez après le deuxième couplet, associé au son d'une mélodie de guitare obsédante qui vous laissera suspendu dans le silence avant de vous redonner vie au premier couplet en passant à un riff rajeunissant avec une batterie rapide et pleine de fougue. Le thème lyrique de la chanson évoque les risques que nous prenons parfois pour poursuivre des rêves zélés qui nous passionnent. Pourtant, en retour, nous pouvons être confrontés à de sombres obstacles sur notre chemin, personnellement et littéralement, ce qui met à rude épreuve nos amitiés et nos relations. Nous ne nous en rendons compte que lorsque nous nous heurtons à un mur et que nous devons ravaler notre fierté pour demander de l'aide et rétablir les liens avec les autres que nous avons brouillés lorsque nous étions aveuglés par une détermination excessive et l'entêtement, avec des paroles tout au long du pré-chorus, du premier couplet et du refrain comme,
"Vif et sanglant / Et j'ai tout mis sur le dos de mon Klonopin." Et "Les factures augmentent / La dopamine se charge lentement / Mais nous sommes à un stade où nous ne parlons pas..." Et le refrain, "Je suis nul pour admettre que j'ai tort..."
Les paroles honnêtes et le thème général de la chanson, associés à un son instrumental poivré et plein d'entrain, concluent cet album enthousiaste et plein d'émotions brutes.
Dans l'ensemble,C'est peut-être çaest un album pop-punk moderne et rafraîchissant. Il contient des mélodies de guitare robustes et émoustillantes, des solos de guitare délicieusement captivants, des refrains inoubliables et vitalisants et des paroles sinistres et sincères. Cet album vous fera revivre le passé, mais avec une touche moderne et piquante.
